Los ciclos de este mes: 100 años de Jacques Tati; Semana de cine venezolano; 100 años de David Lean

100 años de Jacques Tati

El 9 de octubre de 1907 se cumplieron cien años del nacimiento de Jacques Tati, quizás la mayor figura del humor cinematográfico francés del siglo XX, y más ampliamente, géneros a un lado, uno de los pocos y más auténticos maestros del cine de Francia. De origen franco-ruso-italo-holandés, Tati (apellido completo, Tatischeff), nació en Le Pecq, Yvelines (Francia) y falleció en París (neumonía) el 4 de noviembre de 1982.
Fue sin lugar a dudas uno de los grandes cómicos de la pantalla, heredero directo de los maestros del mejor cine cómico mudo norteamericano y francés (Linder, Chaplin, Keaton). Su cine volvió a las fuentes de la comedia cinematográfica y a la pureza del gag visual, sin renunciar a un rico arsenal humorístico extraído del universo de los sonidos. Procedente del music-hall, había actuado en algunos films y producido varios cortometrajes, pero su primera fama provino de dos películas dirigidas e interpretadas por él que marcan una fecha en su carrera y en la historia de la comedia cinematográfica: Día de fiesta (1949), y Las vacaciones del señor Hulot (1953), visión satírica del veraneo pequeño burgués en una plácida localidad costera.
La sátira del hombre moderno inserto en un avasallador mundo material lo condujo casi naturalmente a la sátira de la moderna civilización urbana (urbanismo, funcionalismo, diseño, automatismo) en Mi tío (1958), y en el laboriosísimo Play Time (1967), donde recurre a gags visuales propios del cine mudo y a otros puramente acústicos, línea que proseguiría en Trafic (1971), en la que exhibió empero algunos rasgos de repetición y gotamiento.
La figura de Tati aparece inevitablemente unida a la de su frecuente alter ego en la pantalla, el señor Hulot, un tipo conservador, de buenos sentimientos pero incapaz de entender en qué mundo vive, y cuya sola presencia desencadena toda clase de cataclismos que el personaje no tiene la menor idea de estar provocando. Autor cinematográfico por excelencia,
dotado no solamente de un inteligente sentido del humor sino también de una excepcional capacidad de comprensión acerca de las posibilidades del medio como herramienta de expresión audiovisual, el cine de Tati puede ser apreciado hoy como una oeuvre parca (hizo apenas nueve largos) pero extremadamente consistente, en la que cada film parece preparar el que lo sigue, con un discurso de notable coherencia. El final de Mi tío, por ejemplo, parece abrir camino a la sátira a la tecnología de Play Time; el ballet de automóviles de este último film conduce casi naturalmente a Trafic.
Quienes suelen acusar al cine francés de “intelectual” y especialmente de “literario” deberían permitirse una dosis de Tati, de su permanente
inventiva audiovisual, su casi ausencia de diálogo (que, cuando lo hay, suele estar sepultado por los ruidos ambientes, excepto unas pocas palabras cruciales que se destacan de pronto) y su espíritu bonachón pero
indisimulablemente crítico de algunas de las tonterías de este mundo. Fue, a la vez, un comediante de primer nivel y un creador mayor del cine, y este ciclo organizado con la colaboración de la Embajada de Francia sirve para su descubrimiento o para un grato reencuentro.

Semana de cine venezolano

El cine venezolano conoció un período de florecimiento en los años setenta, que crisis posteriores se encargaron de aventar. Algunos nombres que importaron entonces o un poco después (como los de Román Chalbaud,
Jacobo Penzo o el más cercano Carlos Azpurúa) le garantizaron un prestigio internacional que pudo sobrevivir a lo largo de los ochenta y pareció apagarse hacia fines del pasado siglo, pese a la creación en 1994 del Centro Nacional Autónomo de la Cinematografía.
Más recientemente, el gobierno del presidente Hugo Chávez ha exhibido un
renovado interés por el tema, incluyendo la creación de la llamada Villa del Cine y el apoyo a producciones internacionales (Danny Glover y su Torraint Louverture, sin ir más lejos).
La entrada en el tercer milenio parece haber sido auspiciosa. En el año 2005 Secuestro Express, de Jonathan Jakubowicz, se convirtió en la película nacional más vista en Venezuela, y llegó a ser adquirida por la distribuidora internacional Miramax para su comercialización a nivel mundial. Al mismo
tiempo se estrenaba El Caracazo de Román Chalbaud, la película más costosa en la historia del cine venezolano, y entraba en vigencia una reforma a la Ley de Cinematografía Nacional que fomentó cambios, tales como un porcentaje de cuota de pantalla para el cine venezolano, y el fomento
de la participación de la empresa privada en la actividad cinematográfica a través de impuestos e incentivos fiscales.
El resultado de algunas de esas medidas es un cine pujante que esta Semana parece confirmar. Aquí hay dramas históricos y ficciones ambientadas en tiempo contemporáneo, thrillers y testimonios sociales, además de un significativo número de cortometrajes. Ya es un lugar común decir que el cine latinoamericano es el gran desconocido en Latinoamérica, pero vale la pena dejar constancia de que existe y hasta se puede ver.
Aquí puede haber más de un descubrimiento. La muestra se realiza con la colaboración de la Embajada de la República Bolivariana de Venezuela.

100 años de David Lean

El pasado 25 de marzo hubiera cumplido cien años. Y hace no mucho, una encuesta entre especialistas eligió a su película Lawrence de Arabia como “la mejor película británica de todos los tiempos”. Aún quienes discrepen
con ese veredicto coinciden en que David Lean fue un cineasta mayor.
Había nacido en Croydon, en el condado de Surrey, Inglaterra, en 1908, y se vinculó desde muy joven a la industria cinematográfica. A lo largo de más de una década se desempeñó como montajista y adquirió fama como uno de los mejores del oficio (que retomó, incidentalmente, más de cuatro décadas después de haberse convertido en director, al editar su último film, Un pasaje a la India). Su salto a la realización se produjo en 1942, de la mano del dramaturgo y actor Noel Coward, quien protagonizó, escribió y codirigió junto a él la epopeya marina de Hidalgo de los mares.
La colaboración con Coward se prolongó durante los años siguientes e incluyó, ya solo con Lean como director, la filmación de otros asuntos del escritor, desde la comedia Un espíritu burlón al drama romántico Lo que no fue (ambas de 1945). Por esos films y especialmente por las dos espléndidas adaptaciones de Dickens que los siguieron (Grandes ilusiones, 1946; Oliver Twist, 1948), Lean pudo ser calificado (o descalificado) como
“un artesano cuidadoso”, un técnico, un narrador de gran nivel al que a veces se acusaba de cierta frialdad.
La objeción no es de recibo para esos films iniciales (no hay que confundir sobriedad dramática con frialdad, y ciertamente Oliver Twist no es ni siquiera “sobria” sino robustamente melodramática), aunque puede serlo para algunos títulos inmediatamente posteriores como El pecado de Madeleine (1950) o la historia de aviación de Sin barreras en el cielo (1952). Pero es literalmente un “desubique” a partir de El puente sobre el río Kwai (1957), que no solamente implicó el ingreso de Lean al universo de la superproducción sino también un logro mayor: rara vez una película
industrial de gran presupuesto ha logrado ese equilibrio entre la aventura física, el drama psicológico y el alegato ético y antibélico. El film se alzó con una cantidad de premios Oscar y lanzó a su director (y al productor Sam Spiegel) a otra superproducción no menos ambiciosa: Lawrence de Arabia (1962). Allí se equilibraban una vez más el cine de acción, el conflicto íntimo y el drama político, con alguna reflexión inteligente sobre el colonialismo,
además de la mejor actuación de su carrera del casi debutante Peter O’Toole
El estilo esmerado y minucioso de Lean tendía, inevitablemente, al relato largo y la producción de alto presupuesto (algo que ocurrió con William Wyler, un cineasta que se le parece mucho, en los Estados Unidos). Es un terreno peligroso, y Lean lo recorrió con irregularidad. Tras la doble culminación de El puente y Lawrence, se lo vio vacilar en Doctor Zhivago (1965), en la que el guionista Robert Bolt (que también escribiera Lawrence) se veía obligado a comprimir en tres horas un material literario que daba para una película de tres días (novela famosa de Boris Pasternak) y los tijeretazos se notaban. El enorme oficio de Lean permitía que el film sobreviviera de a ratos, y alguien inteligente le dirigió un paradójico elogio. El film, decía ese observador, era un fracaso, pero pocos cineastas eran
capaces de fracasar al nivel en que lo hacía Lean.
El modelo de Zhivago (1965), una historia de amor recortada sobre un fondo de turbulencia revolucionaria) se repitió con variantes en la siguiente superproducción de Lean, el drama irlandés de La hija de Ryan (1970). Y el cineasta finalmente se despidió con otra evocación colonial, Pasaje a la India, sobre la novela de Forster.
Nunca cumplió con su sueño de realizar una nueva versión de Motín a bordo: el proyecto cayó, disminuido, en las manos de Roger Donaldson y Mel Gibson.
El presente ciclo, que reúne a una buena parte del cine de Lean, prosigue en la próxima programación.