Sala Cinemateca

Los ciclos de este mes: -Richard Linklater:¿un dependiente? -Maestros:Carl T. Dreyer--Algo de Finlandia-El adiós a Milos Forman -In memoriam: : Vittorio Taviani.-

Lorenzo Carnelli 1311 - Tel: 24195795

 

RICHARD LINKLATER:¿UN DEPENDIENTE?

Caso extraño el de Richard Linklater. Tras haber dado sus primeros pasos en el cine con películas formalmente experimentales y de bajo presupuesto, la crítica lo describió como uno de los grandes “directores alternativos”, como Steven Soderbergh o Darren Aronofsky, aunque el tiempo probaría que era más interesante que cualquiera de los dos. Su figura se consolidó rápidamente como un referente del llamado “cine independiente”, aunque muchas de sus películas fueran financiadas por los grandes estudios. Sin embargo, Linklater rehúsa aceptar etiquetas. “Yo soy en el fondo como todos los demás directores de cine: dependiente. Porque todos los directores de cine dependen de que alguien crea bastante en ellos para poder tener dinero y hacer una película. La diferencia, el dilema que se les presenta a los cineastas, es luchar por hacer tu propia película no por hacer la película de otro. Algo que yo nunca hice”. Su autodefensa no es en vano. Reiteradamente, la crítica le reprochó a este tejano haber olvidado sus raíces. No por el lenguaje cinematográfico utilizado, siempre innovador, sino más bien por sus relaciones con la industria. “Hice mi primera película con tres mil dólares”, ha dicho Linklater. “Luego hice Slacker con mi propio dinero, tarjetas de crédito y pidiendo dinero para hacer el film. Desde entonces siempre consigo dinero para hacer películas, sea a través de Universal, Castle Rock o Fox. Para hacer una película acepto dinero de cualquiera. Todas mis películas las terminé en mi propio estudio. Financie quien las financie, todas mis películas tienen el mismo espíritu”. Linklater es un acérrimo crítico de lo que ahora se conoce como cine independiente. No comparte esa idea de que el cine independiente debe ser necesariamente de bajo presupuesto. “Pueden llamarlos independientes o de estudio, pero todos mis films son iguales. Aunque el presupuesto sea mayor. Muchos creen que la verdadera definición de independiente es que los films se autofinancien algo así como no aceptar dinero de la industria, porque ya sea que se acepten quinientos mil dólares o sesenta millones se construyen una relación con el financista. Para mí la clave para ser independiente es el tipo de relación que se construya”, subraya el director. Y agrega con ironía: “Con esa idea economicista, entonces, lo único verdaderamente independiente sería la pornografía, que se autofinancia y se distribuye de manera independiente”. Para entender mejor su pensamiento, Linklater recuerda su película La pandilla Newton (1998), que dispuso de un presupuesto millonario y no satisfizo las expectativas de su empresa productora Universal. “La única diferencia que sentí con las demás películas era que tenía un presupuesto de 27 millones. Era demasiado para mí. Mi mayor presupuesto anterior había sido de seis millones para Rebeldes y confundidos. Esa fue la mayor y única discrepancia entre lo que tenía y lo que realmente necesitaba”. “Todas mis películas son autobiográficas”, sostiene igualmente Linklater. “La disputa entre cine independiente o comercial es en el fondo una tontería. Cuando veo una obra de Martin Scorsese veo allí el espíritu independiente porque hace su propia película, la que pensó en la preproducción. Lo mismo con James Cameron en Titanic, ya que es una película del director. Otra cosa es hacer películas de género o de bajo presupuesto. Ser independiente tampoco es hacer solamente películas de tu barrio o sobre cuestiones personales. No me gusta volver a filmar nada, ninguna escena ni cuadro. Nunca lo hice ni lo haré. No digo que no lo haría si veo que algo no funciona en la película. Pero no me dejo influenciar por los estudios”. En el presente ciclo, bastante representativo (aunque falta alguna cosa más reciente como la interesante aunque sobreestimada Boyhood) hay varias pruebas de lo afirmado.

Mayo 4, viernes. A las 17.45, 19.30 y 21.15 hs.

REBELDES Y CONFUNDIDOS

(Dazzled and Confused)

Dir: Richard Linklater
EEUU 1993 - 94 min. (Digital).
Con Jason London, Wiley Wiggins, Sasha Jenson.

La evocación de varias existencias entrecruzadas a mediados de los setenta en una Texas suburbana. No es difícil sospechar algún componente autobiográfico en este ejercicio del texano Linklater que sabe equilibrar el humor, la emoción y un saludable desenfado. Un Linklater inicial e inquieto.

Mayo 5,sábado. A las 17.40, 19.30 y 21.20 hs.

ANTES DEL AMANECER

(Before Sunrise)

Dir: Richard Linklater.
EEUU 1995. - 94 min. (Digital).
Con Ethan Hawke, Julie Delpy.

Un estudiante norteamericano y una joven francesa se conocen durante un viaje a Viena, viven una fugaz historia de amor y prometen reencontrarse pronto. Pasará una década y hará falta otra película superior (Antes del atardecer) para que ese encuentro finalmente ocurra, pero éste es un buen punto de partida.

Mayo 6, domingo. A las 17.30, 19.30 y 21.30 hs.

SUBURBIA

(Suburbia)

Dir: Richard Linklater.
EEUU 1996. -120 min. (Digital).
Con Giovanni Ribisi, Steve Zahn, Annie Carey.

Otra crónica coral de alienados veinteañeros en ambiente suburbano, y en especial las fricciones que surgen cuando reaparece un viejo compañero convertido en estrella rockera. Sensible, inteligentemente escrita, bien actuada, un poco teatral.

Mayo 7, lunes. A las 17.40, 19.30 y 21.20 hs.

DESPERTANDO A LA VIDA

(Waking Life)

Dir: Richard Linklater
EEUU 2001.-93 min. (Digital).

Primera experiencia de Linklater con el rotoscope, procedimiento que fuera empleado previamente (y más imperfectamente) por Ralph Bakshi, y que consiste en el dibujo de animación sobre imágenes reales. Un experimento quizás intelectualmente fallido pero formalmente brillante que el director ampliaría enUna mirada en la oscuridad.

Mayo 8, martes. A las 17.55, 19.30 y 21.05 hs.

TAPE

(Tape)

Dir: Richard Linklater.
EEUU 2001 -83 min. (Digital).
Con Giovanni Ribisi, Steve Zahn, Annie Carey.

Tres viejos amigos recuerdan los penosos tiempos de la secundaria, un pasado al que nadie quiere volver. Un ejercicio minimalista, simple y poderoso a la vez, reducido a tres personajes y ambientes mínimos, relato en tiempo real y varias inteligentes observaciones dramáticas.

Mayo 10, jueves. A las 17.30, 19.30 y 21.30 hs.

ESCUELA DE ROCK

(School of Rock)

Dir: Richard Linklater
EEUU 2003 -109 min. (Digital).
Con Jack Black, Joan Cusack, Mike White

La sociedad de los poetas muertos en versión rockera, con la inmensa ventaja de la ausencia de Robin Williams. El maestro Jack Black genera una saludable subversión, entre humor, energía y bastante música. Hay gente que la ha convertido en una suerte de portaestandarte, pero también exageran.

Mayo 11, viernes. A las 18, 19.30 y 21 hs.

ANTES DEL ATARDECER

(Before Sunset)

Dir: Richard Linklater
EEUU 2001 -80 min. (Digital).
Con Ethan Hawke, Julie Delpy.

La pareja de Antes del amanecer se reencuentra en París una década después, y ciertos fuegos vuelven a encenderse. Un finísimo tranche ve registrado casi en tiempo real, en planos largos y elegantes, con una perfecta integración de personajes y entorno. Todo parece casual pero está pensadísimo. Y es magistral. La trilogía se completará con la inferior Antes de la medianoche.

Mayo 12, sábado. A las 17.25, 19.30 y 21.35 hs.

LOS OSOS DE LA MALA SUERTE

(The Bad News Bears)

Dir: Richard Linklater
EEUU 2005 -113 min. (Digital).
Con Billy Bob Thornton.

Un entrenador en decadencia debe poner en vereda al peor equipo de béisbol infantil y llevarlo a la final. El asunto ya había sido filmado con Walter Matthau y no hacía falta repetirlo, pero el resultado es razonablemente divertido si uno no se toma las cosas demasiado en serio.

Mayo 13, domingo. A las 17.25, 19.30 y 21.35 hs.

FAST FOOD NATION

(Fast Food Nation)

Dir: Richard Linklater
Reino Unido 2006 -113 min. (Digital).
Con Gregg Kinnear, Ethan Hawke, Kris Kristofferson.

Algo huele mal en la comida chatarra, y el investigador del caso averigua cosas muy inquietantes. Por atrás del cuestionamiento de una industria corre la vitriólica metáfora de una sociedad, examinada con un espíritu autocrítico que pocas sociedades pueden permitirse. Somos lo que comemos, dice el film, y eso no es bueno.

Mayo 14, lunes. A las 17.40, 19.30 y 21.20 hs.

UNA MIRADA EN LA OSCURIDAD

(A Scanner Darkly)

Dir: Richard Linklater
EEUU 2006. -100 min. (Digital).
Con Gregg Kinnear, Ethan Hawke, Kris Kristofferson.

Nueva experiencia de Linklater con el rotoscope, aquí a partir de una historia del especialista en ciencia ficción Philip K. Dick (Blade Runner, El vengador del futuro) La historia se enreda por momentos pero el despliegue formal es sugestivo y por momentos deslumbrante.

Maestros: Carl T. Dreyer

El pasado 20 de marzo se cumplieron 50 años de la muerte de Carl T. Dreyer, acaso el mayor cineasta escandinavo anterior a Bergman, y con frecuencia comparable con él. Estrictamente, este homenaje llega un mes y medio tarde, pero los espacios y las fechas de programación obligan a veces a hacer piruetas. Nacido en Copenhaguue en 1889, de padre danés y madre sueca. Carl Theodor quedó huérfano en su niñez, y fue adoptado por una familia que no le dio afecto. Culturalmente fue un autodidacta, que comenzó ganándose la vida como pianista de café y luego desempeñó trabajos como funcionario municipal y estatal, y finalmente periodista. En 1912, comenzado el éxito internacional del cine danés, trabajó como rotulista, supervisor de guiones, asesor técnico y artístico, guionista y montador, antes de debutar como director en 1920 con El presidente (Praesidenten), un melodrama algo impersonal realizado con corrección pero sin genio. Rasgos más personales hay en Páginas del diario de Satán (mismo año), cuyos elementos religiosos y su condena de la intolerancia y el fanatismo (provengan de la Inquisición o de la izquierda revolucionaria) anticipan las preocupaciones de algunas de sus obras mayores. Tras el interludio humorístico de La viuda del pastor, rodada en Noruega, Dreyer emprendería una carrera internacional que lo llevaría a Alemania, lo devolvería a Dinamarca y le permitiría hacer en Francia La pasión de Juana de Arco (1927), una de sus obras maestras y una culminación del arte mudo. A comienzos del sonoro hizo también en Francia Vampyr, que ha sido definida como “una obra compuesta a base de silencios, sensaciones anímicas, secuencias subjetivas, iluminaciones imprecisas, sobreimpresiones y blancos”. Su fracaso económico lo obligó a volver a su país, donde se dedicó a la crítica cinematográfica y a la realización de cortometrajes. Recién en 1943, y en plena ocupación nazi, realizó una de sus obras maestras, Dies Irae o Vredens Dag, y pasarían más de once años antes de que emprendiera otro trabajo de verdadera enjundia (Ordet, 1954) Diez años después llegó Gertrud, una muestra más de su independencia, en la que prescindiendo de las modas imperantes y siguiendo su riquísimo estilo “clásico” trató el tema del amor, llevándolo a términos absolutos. En palabras del español Arnaldo Olivar Daydi (en la Enciclopedia Ilustrada del Cine, de Editorial Labor), “vista en su conjunto y a través de su desarrollo, la temática de Dreyer se centra en el ser humano como sujeto de valores absolutos; el hombre es observado psicológicamente y su dignidad defendida frente a toda intolerancia, coacción física y moral. Sin mengua de sus circunstancias individuales, logró tratar el ser humano en forma genérica, como protagonista de ideas, y ponerlo incluso en conexión con un orden superior. A través de la tolerancia, de la bondad y del sufrimiento, llega a la idea abstracta del amor y de la pureza espiritual, así como en el ámbito de lo religioso a la fe, y en el de la metafísica a las relaciones del hombre con Dios. El peculiar estilo de Dreyer es una consecuencia armónica de la acción interna, de las relaciones anímicas y espirituales de sus personajes”. Reverlo es redescubrir a un maestro, realmente.

Mayo 15, martes. A las 17.45, 19.30 y 21.15 hs.

LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO

(La Passion de Jeanne D’Arc)

Dir: Carl T. Dreyer.
Francia 1927-28 . -100 min. (Digital).
Con Maria Falconetti, Sylvain, Antonin Artaud.

Proceso y condena a muerte de la Doncella de Orleáns, acusada de bruja, víctima por la inquisición y de intrigas políticas, luego santa de la Iglesia Católica. Una de las obras maestras de Dreyer y del cine, una culminación del arte mudo, de austeridad y rigor dramático ejemplares.

Mayo 17, jueves. A las 18, 19.30 y 20.50 hs.

VAMPYR

(Vampyr, ou l’etrange aventure de David Gray)

Dir: Carl T. Dreyer.
Francia/Alemania 1932-72min. (Digital).
Con Julian West, Maurice Schutz, Rena Mandel.

Dos cuentos fantásticos del irlandés Joseph Sheridan Le Fanu (Carmilla, La posada del Dragón Volador) libremente enhebrados en una historia de misterio y horror que en manos de Dreyer se convierte en algo más: una inquietante metáfora sobre el Bien y el Mal.

Mayo 18, viernes. A las 17.40, 19.30 y 21.20 hs.

DIES IRAE

(Vredens Dag)

Dir: Carl T. Dreyer.
Dinamarca 1943-98 min. (Digital).
Con Kirsten Andreasen, Sigurd Berg, Albert Hoeberg.

El Bien y el Mal, la intolerancia y la superstición, y un proceso de brujería en el siglo XVII. Una obra maestra de intensa, dramática belleza, donde las figuras resaltan sobre fondos neutros, luces y sombras se contraponen y los espíritus se agitan entre el amor, el miedo y la culpa.

Mayo 19,sábado. A las 17.20, 19.30 y 21.40 hs.

ORDET/La palabra

(Ordet)

Dir: Carl T. Dreyer.
Dinamarca 1954. -126 min. (Digital).
Con Emil Hass Christensen, Henrik Malberg, Preben Lerdorff Rye.

Una historia de fe, locura y milagro, con un trasfondo polémico para el entorno protestante de Dreyer, que acepta normalmente los milagros terminaron con Jesucristo. El director conduce su material con bíblica solemnidad, cuidando con infinito rigor cada encuadre y sugiriendo la interioridad de sus personajes con recursos de especial sutileza.

Mayo 20, domingo. A las 17.25, 19.30 y 21.35 hs.

Gertrud

(Gertrud)

Dir: Carl T. Dreyer.
Dinamarca 1964. -117 min. (Digital).
Con Nina Pens Rode, Bendt Rothe, Ebbe Rode.

El último film de Dreyer es una dolorida meditación sobre la caducidad del amor. Con un esquema aparentemente teatral, Dreyer construye una estructura sólida, perfectamente calibrada, de estilo riguroso y poderoso vigor expresivo y (cosa rara en Dreyer) un intencionado uso del flashback. Una notable despedida.

Algo de Finlandia

Corresponde saber que Finlandia no es solamente el Kalevala, las películas de los hermanos Kaurismaki, un film bélico de hace medio siglo que llegó a pantallas montevideanas (El soldado desconocido) y discusiones sobre las papeleras. El presente ciclo abre el panorama a otras formas de expresión cinematográfica en el país, y se permite, también reconfirmar a través de un par films el talento de Aki Kaurismaki, un autor mayor. Cinco títulos a tener en cuenta

Mayo 21 ,lunes. A las 18, 19.30 y 20.55 hs.

LA INVISIBLE ELINA

(NÄkvmÄtÖn Elina)

Dir: Klaus Härö.
Finlandia/Suecia/Noruega 2002. -74 min. (Digital).
Con Natalie Minnevik, Bibi Andersson, Marjaana Maijala.

Años 50, norte de Suecia, la vuelta al colegio de Elina, conflicto con quienes hablan finlandés. Un pequeño film muy tierno, sensible, poético. Varios premios de cine para adolescentes.

Mayo 22 , martes.A las 17.50, 19.30 y 21.10 hs.

COMETAS SOBRE HELSINKI

(Drakarna over Helsingfors/Leijat Helsingin YllÄ)

Dir: Peter Lindholm.
EEUU 1984 . -87 min. (Digital).
Con Pirkka-Pekka Petelius, Paavo Kerosuo, Pekka Strang.

La épica historia de dos generaciones de una acaudalada familia finlandesa, desde los años sesenta a los noventa. Historias individuales que se desenvuelven sobre el fondo de una historia mayor, la de la Finlandia de esos años. Sobre elogiada novela de Kjell Vesto.

Mayo 24 , jueves.A las 17.50, 19.30 y 21.10 hs.

COLORADO AVENUE

(Colorado Avenue)

Dir: Claes Olsson.
EEUU 1984 - 120 min. (Digital).
Con Birthe Wingren, Nicke Lignell, Peter Kanerva.

Otra saga familiar con base literaria (novelas de Lars Sund), algo así como el equivalente escandinavo de los libros de Edna Ferber. Inevitablemente el film sintetiza una historia más extensa, pero obtiene trechos de adecuada fuerza dramática.

Mayo 25 , viernes.A las 17.45, 19.30 y 21.15 hs.

LENINGRAD COWBOYS ENCUENTRAN A MOISES

(Leningrad Cowboys Meet Moses)

Dir: Aki Kaurismäki.
Finlandia Alemania/Francia 1994. -94 min. (Digital).
Con Pirkka-Pekka Petelius, Paavo Kerosuo, Pekka Strang.

Los famosos rockeros atacan de nuevo, transitan entre América y Europa, y hasta se tropiezan con alguien que afirma ser la reencarnación de Moisés, quiere llevárselos a Rusia y roba la nariz de la Estatua de la Libertad. Una bizarra comedia, acaso inferior a su precedente pero con trechos de auténtico ingenio.

Mayo 26 , sábado.A las 17.40, 19.30 y 21.20 hs.

EL HOMBRE SIN PASADO

(Mies vailla menneisyttÄ)

Dir: Aki Kaurismäki.
Finlandia/Alemania/ Francia 2002 -97 min. (Digital).
Con Markku Peltola, Kati Outinen, Juhani Niemelá.

Un amnésico reconstruye minuciosamente su vida, hasta que esa nueva realidad se tambalea ante la reaparición de la antigua. Una fábula con connotaciones humanistas, que es también el reencuentro con algunos valores fundamentales.

El adiós a Milos Forman

Los comienzos de Milos Forman, quien falleció el pasado mes de abril, , se vinculan con el movimiento, no solamente cinematográfico, que se denominó “la primavera de Praga”, una expresión inventada por los checos para referirse a la búsqueda de una apertura en lo político y lo cultural que marcó los primeros años de la década del sesenta y que fue bruscamente interrumpida por los tanques del Pacto de Varsovia en agosto de 1968. Con la perspectiva de los años, una parte por lo menos de los films que realizaron en Checoslovaquia hasta 1968 parecen todavía obras mayores, y a la historia del cine le va a costar prescindir de nombres de cineastas como Jan Kadar, Elmar Klos, Jan Nemec , Jiri Menzel, Vera Chytilová, Ivan Passer y varios más, incluyendo por supuesto a Milos Forman. Nacido en Caslaw, Checoslovaquia, en febrero de 1932. Forman quedó huérfano cuando los nazis deportaron y finalmente asesinaron a sus padres en un campo de concentración. Entre 1951 y 1956 cursó arte dramático en la FAMU de Praga, y pronto comenzó a trabajar como presentador en televisión , se desempeñó como asistente para varios directores y se inició como cortometrajista en 1963. Su tres largos iniciales (Pedro el negro, Los amores de una rubia, Al fuego bomberos) se integran plenamente en el espíritu de la “primavera de Praga”, con su renuncia a la solemnidad, su descubrimiento de personajes cotidianos, su aire improvisado para captar con cierto humor el comportamiento de gente que no se dedica a construir el socialismo sino simplemente a vivir, con las virtudes y los defectos de la gente corriente. Los tanques de agosto empujaron a casi toda la generación de Forman al exilio, al conformismo o al silencio, y en 1971 encontramos a nuestro hombre en los Estados haciendo Búsqueda insaciable (Taking Off), que aplicaba buena parte de los recursos aprendidos en su etapa praguense para retratar otros desconciertos juveniles, en este caso norteamericanos. En 1982 participó en Visions of Eight, un documental colectivo sobre los Juegos Olímpicos, pero su definitiva consagración occidental ocurriría dos años después con Atrapado sin salida, una película que no solamente arrasó con los Oscar sino que fue saludada casi unánimemente por la crítica como una obra maestra, aunque el punto admite discusiones. Casi de inmediato vino Hair, un musical famoso por su espíritu anti-establishment. A esas alturas Forman era un nombre sólidamente instalado en la industria norteamericana, y se le adjudicaron proyectos tan ambiciosos como Ragtime (novela ee Doctorow), Amadeus (aparatosa fantasía sobre Mozart) o Valmont (una relectura de las Relaciones peligrosas de Laclos), en las que a veces pudo sospecharse una inquietud personal (la adaptación de Doctorow) y en otras la impersonal aplicación de un gran oficios a asuntos ajenos (Amadeus, Valmont). Más cerca polemizó sobre pornografía y libertad de expresión (Larry Flint), se equivocó con Goya (Los fantasmas de idem…) y volvió a un nivel de creatividad interesante con Man on the Moon, sobre el comediante Andy Kaufman, que supo aprovechar adecuadamente a Jim Carrey. Este ciclo no reúne toda la obra de Forman, pero recoge suficiente evidencia de por qué importa. Contra todos los titulares que informaron que “murió el director de Atrapado sin salida” conviene empero reivindicar que su obra checa es más importante que lo que hizo después en Occidente.

Mayo 27 , domingo. A las 18, 19.30 y 21 hs.

LOS AMORES DE UNA RUBIA

(Lasky jedne plaovlasky)

Dir: Milos Forman .
Checoslovaquia 1965 -77 min. (Digital).
Con Hanna Brejchová, Vladimir Pucholt, Vlaldimir Mensik.

La crónica de una joven que tiene un noviazgo superficial y llega a conocer algo más profundo. De ahí Forman salta a un retrato crítico de una generación mayor y conformista, permeado por la espontaneidad, el humor y un toque de melancolía.

Mayo 28, lunes. A las 18, 19.30 y 20.55 hs.

AL FUEGO BOMBEROS

(Hori, ma panenko)

Dir: Milos Forman.
Checoslovaquia 1967 . -100 min. (Digital).
Con Gregg Kinnear, Ethan Hawke, Kris Kristofferson.

Nueva experiencia de Linklater con el rotoscope, aquí a partir de una historia del especialista en ciencia ficción Philip K. Dick (Blade Runner, El vengador del futuro) La historia se enreda por momentos pero el despliegue formal es sugestivo y por momentos deslumbrante.

Mayo 29, martes. A las 17.45 y 20.15 hs.

ATRAPADO SIN SALIDA

(One Flew Over the Cuckoo’s Nest)

Dir: Milos Forman.
EEUU 1975. -133 min. (Digital).
Con Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield.

Un internado en una institución psiquiátrica que se revela, en lo que puede ser entendido como una gran metáfora sobre (contra) una sociedad autoritaria. Forman venía de la Checoslovaquia donde había sido asesinada la Primavera de Praga, y se sumó al espíritu contestatario del cine norteamericano de la época.

Mayo 31, jueves. A las 17.20, 19.30 y 21.40 hs.

HAIR

(Hair)

Dir: Milos Forman.
EEUU 1979 . -121 min. (Digital).
Con John Savage, Treat Williams, Beverly D'Angelo.

Un joven campesino llega a Nueva York para hacer la instrucción militar antes de ir a luchar en Vietnam. En la ciudad descubre un mundo nuevo: miles de jóvenes se oponen a la guerra y defienden el amor libre. Pronto será admitido en un grupo hippie. Adaptación del famoso musical de Broadway de 1968.

Junio 1º, jueves. A las 17.45 y 20.30 hs.

RAGTIME, TIEMPOS DE INJUSTICIA

(Ragtime)

Dir: Milos Forman.
EEUU 1981. -155 min. (Digital).
Con James Cagney, Howard Rollins Jr. Mary Steenburgen.

Los tiempos del título, y que Doctorow describiera en su novela, son los de los Estados Unidos de comienzos del siglo XX, con datos de racismo, prepotencia de las clases privilegiadas e inmigrantes en pos del Sueño Americano. Forman sostiene con enorme oficio parte de ese cuadro, que se debilita un poco (solo un poco) al final.

Junio 2 , jueves. A las 17.45 y 20.35 hs.

AMADEUS

(AMADEUS)

Dir: Milos Forman.
EEUU 1984 . -160 min. (Digital).
Con Tom Hulce, F. Murray Abraham, Elizabeth Berridge.

Mozart vs. Salieri, según versión bastante fantasiosa del dramaturgo Peter Schaffer cuya endeblez dramática Forman disimula con espectáculo y música. La envidia de Salieri ante su colega y rival es el verdadero eje del asunto (y el asesinato de Mozart una fantasía).

Junio 3, viernes. A las 17.45 y 20.35 hs.

VALMONT

(valmont)

Dir: Milos Forman.
Francia/Inglaterra 1989 -160 min. (Digital).
Con Colin Firth, Annette Bening, Meg Tilly.

Versión libre de la novela epistolar de Choderlos de Laclos Las relaciones peligrosas, otras veces filmada por Vadimo Frears. La vieja historia libertina está sostenida por notorios esmeros de elenco y recreación de época.

Junio 4 , sábado. A las 17.45 y 20.35 hs.

LARRY FLINT, EL NOMBRE DEL ESCANDALO

(The People vs. Larry Flint)

Dir: Milos Forman.
EEUU 1996 -124 min. (Digital).
Con Woody Harrelson, Courtney Love, Edward Norton.

Mozart vs. Salieri, según versión bastante fantasiosa del dramaturgo Peter Schaffer cuya endeblez dramática Forman disimula con espectáculo y música. La envidia de Salieri ante su colega y rival es el verdadero eje del asunto (y el asesinato de Mozart una fantasía).

In memoriam: Vittorio Taviani

Siempre trabajaron juntos, y no es fácil determinar qué se les debe a uno y a otro en cada una de sus películas. Vittorio , el mayor de los hermanos Taviani , falleció a los 88 años en abril pasado. Su hermano Paolo, dos años menor, lo sobrevive. Nacidos en San Miniato, en la provincia de Pisa, Italia, Vittorio estudió Derecho en la Universidad de Pisa, a donde dos años más tarde le acompañó Paolo, que se inclinó en bellas Artes. Juntos se dedicaron al cine tras el impacto que les produjo Paisá, de Rossellini, que vieron poco después de su estreno en 1946. Coescribieron y dirigieron varios cortos y el documental L’Italia non é un paese povero (1960) financiado por la compañía estatal de petróleo, ENI. Censurada por la productora por sus crudas imágenes de la miseria, la copia original se creyó perdida durante mucho tiempo hasta que, en 1999 Tinto Brass, que había sido ayudante de dirección en la película, sacó a la luz la única copia existente del positivado original que había guardado. Con la experiencia adquirida, en 1962 los Taviani filmaron su primer largometraje de ficción, Un uomo da bruciare, sobre conflictos obreros y la Mafia. El tema social reaparecería con variantes en la obra posterior de los cineastas En 1973 los hermanos abordaron una producción más costoso, Retrato de un traidor, ambientada en las guerras napoleónicas, con Marcello Mastroianni el papel de un aristócrata convertido en dirigente de una sociedad secreta que luego da la espalda a su causa. El éxito internacional les llegaría empero en 1977 con Padre padrone, brutal historia de un opresivo padre campesino y su hijo. Ese film arrasó en Cannes, ganando la Palma de Oro y el premio Fipresci. Con una producción cada dos o tres años, realizadas siempre de manera conjunta donde alternan el papel de director, dejando una escena para cada uno y sin interferir en la dirección del otro, han continuado trabajando hasta bien entrada su novena década de vida. En los últimos veinte años, sobre todo, parecieron dejar atrás el fervor militante de sus años mozos para volcarse, sobre todo, hacia refinadas adaptaciones literarias (Pirandello, Goethe, Tolstoi), sin renunciar empero a un nivel de exigencia y ocasionales dosis de “atención social”. Este ciclo incluye algunas de sus culminaciones.

Junio 7 , jueves. A las 17.35, 19.30 y 21.25 hs.

RETRATO DE UN TRAIDOR

(Allonsanfan)

Dir: Paolo y Vittorio Taviani.
Italia 1973 -106 min. (Digital).
Con Marcello Mastroianni, Lea Massari, Mimsy Farmer.

Italia, comienzos del siglo XIX, con el fondo de la resistencia carbonaria al absolutismo. El protagonista da la espalda a sus compañeros revolucionarios pero los acontecimientos lo alcanzan. Una reflexión histórica sobre compromiso y traición.

Junio 8, viernes. A las 17.30, 19.30 y 21.30 hs.

PADRE PADRONE

(Padre padrone)

Dir: Paolo y Vittorio Taviani .
Italia 1977 . -109 min. (Digital).
Con Omero Antonutti, Saverio Marconi, Fabrizio Forte.

Un joven pastor con inquietudes intelectuales enfrenta a su despótico padre. Un vigoroso cuadro social que deriva del neorrealismo, con fuerza y autenticidad. Palma de Oro y premio Fipresci en Cannes.

Junio 9 , sábado. A las 17.30, 19.30 y 21.30 hs.

LA NOCHE DE SAN LORENZO

(La notte di San Lorenzo)

Dir: Paolo y Vittorio Taviani.
Italia 1981. -107 min. (Digital).
Con Omero Antonutti, Margarita Lozano.

Los Taviani rememoran la noche de San Lorenzo de 1944. La lluvia de estrellas fugaces suscita el deseo de que de que terminen la guerra y la ocupación nazi, entre lo épico y lo reflexivo, con la frescura de una mirada infantil.

Junio 10 , domingo. A las

GOOD MORNING, BABILONIA

(Good Morning Babilonia)

Dir: Paolo y Vittorio Taviani.
Italia/EEUU 1987. -115 min. (Digital).
Con Vincent Spano, Joaquim de Almeida, Greta Scacchi.

Artesanos italianos en los Estados Unidos, en tiempos del rodaje de Intolerancia de Griffith. Un homenaje al cine y a la tradición del arte como creación colectiva. Cerca del final, el veterano artesano italiano pasa el bastón al más joven norteamericano. Una tradición de arte popular se hereda.

Junio 11, lunes. A las 17.45, 19.30 y 21.15 hs .

LAS AFINIDADES ELECTIVAS

(Le affinitÁ elettive)

Dir: Paolo y Vittorio Taviani.
Italia 1996. -98 min. (Digital).
Con Isabelle Huppert, Jean-Hugues Anglade, Fabrizio Bentivoglio.

El derrumbe del socialismo real y sucursales parece haber acentuado el desencanto político de los Taviani, quien en la zona más reciente de su obra prefirieron refugiarse en la adaptación de obras literarias y de época. Esta refinada y algo fría versión de Goethe es un ejemplo.

Junio 12, martes. A las 17.40, 19.30 y 21.20.20 hs .

TU RIES

(Tu ridi)

Dir: Paolo y Vittorio Taviani.
Italia 1998. . -99 min. (Digital).
Con Antonio Albanese, Giuseppe Cederna, Luca Zingaretti.

Los Taviani retornan al universo literario (que ya recorrieran magistralmente en Kaos) de Luigi Pirandello) Dos historias del escritor se entrecruzan, con resultado frecuentemente sugestivo.

Junio 14, jueves. A las 18, 19.30 y 20.55 hs.

CÉSAR DEBE MORIR

(Cesare deve morire)

Dir: Paolo y Vittorio Taviani.
Italia 2012. -74min. (Digital).
Con Cosimo Rega, Salvatore Striano, Giovanni Arcuri, Antonio Frasca.

Los presos de una cárcel de alta seguridad ensayan una puesta en escena del Julio César de Shakespeare. Las cámaras de los hermanos Taviani recorren celdas y pasillos, asisten a ensayos y representaciones, detectan tensiones dentro y fuera de la ficción. La venganza shakespereana deriva en vendetta napolitana.