Los ciclos de este mes: Europeos: la atención social; De la temporada; Mike Leigh en drama y comedia

Europeos: la atención social

La expresión se acuñó, fundamentalmente, para definir un rasgo distintivo del cine neorrealista italiano (en Hollywood prefieren la variante “comentario social”), pero la práctica era anterior y ha seguido después, en cine y fuera de él.
Con Sartre, se la podría vincular también con el equívoco concepto de “compromiso”, que en su momento sirvió para desembarazarse de artistas valiosos por las razones equivocadas, y en la postmodernidad no parece estar de moda.
La etiqueta, que como todas las etiquetas puede ser simplificadora, sirve empero para reunir un conjunto de películas de los últimos veinte años, firmadas por varios cineastas europeos que no creen que prestar atención a las circunstancias sociales o políticas que rodean a sus personajes constituya un demérito (tampoco es en sí mismo un valor estético, dato que deberían recordar quienes se apresuren a determinar que una película es “buena” o “mala” en función de la postura que su autor expresa con respecto al mundo en que vive). La lista, que podría extenderse hasta abarcar a los belgas Dardenne (que han sido revisados recientemente por la Cinemateca) o el italiano Moretti, comienza correctamente con el británico Ken Loach, quien no es solamente el penúltimo trotskista sino acaso también uno de los últimos representantes del comprometido cine de los angry young men de su país en los años sesenta. El cine de Loach, un hombre enojado al mismo tiempo con el capitalismo salvaje, con el stalinismo y con la socialdemocracia (lo cual, dicho sea de paso, le deja muy poco margen para moverse) ha sabido documentar a lo largo de los años algunos de los vicios y carencias del establishment británico. Lo ha hecho, además, con honestidad intelectual, solvencia cinematográfica y un sobrio manejo de la emoción, tres virtudes que lo redimen incluso ante quienes no compartan algunos de sus postulados políticos: su cine cuenta problemas de la gente, y sus personajes suelen ser seres humanos queribles con cuyos problemas corresponde empatizar, más allá de los discursos que afortunadamente en Loach (salvo excepciones como La canción de Carla, donde es claro que se movió en un medio desconocido para él) suelen ser pocos.
Algo parecido ocurre con Robert Gédiguian, que acaso siga teniendo la afiliación al Partido Comunista francés en el bolsillo de algún saco, pero no la esgrime sistemáticamente ante la cámara.
Sus personajes son mayormente obreros, clase media baja u otra gente “no privilegiada”, y suelen ser también gente que a Guédiguian le gusta (“no quiero hacer películas sobre gente que no me gusta”, ha dicho).
El acercamiento es antes humano que estrictamente político. Su compatriota Laurent Cantet (de quien este año se conoció también la espléndida Entre los muros) parece más conscientemente comprometido, especialmente en sus dos primeras películas, que son las que se exhiben aquí: el tema de Recursos humanos es, directamente, la “flexibilidad laboral”, y El empleo del tiempo tiene que ver con qué hacer cuando uno queda desempleado.
Es posible que haya más escepticismo postmoderno en el finlandés Kaurismäki, cuya autodenominada “trilogía proletaria” exhibe un interés por sus personajes pero probablemente más desconfianza acerca de la posibilidad de cambios sociales. El desencanto es también un signo de los tiempos, y su expresión cinematográfica sirve igualmente como llamado de atención sobre cosas que están pasando o deberían pasar.

De la temporada

Un Steven Soderbergh alejado de sus recientes, latosos acercamientos al Che, que igualmente ha dividido las opiniones
(por algún motivo, El desinformante es de esas películas para “tomar o dejar”: se la ama o se la odia; véanla y opinen), y
una interesante propuesta de ciencia ficción que reflexiona sobre prejuicios muy terrestres. Sector 9 está apadrinada por
el gran Peter Jackson (El señor de los anillos, King Kong) pero su director es sudafricano y se nota. Sabe de lo que habla.

HAL ASHBY

Mike Leigh en drama y comedia

Hombre de teatro, cine y televisión, Mike Leigh tenía ya una fama previa en los escenarios británicos cuando algunos de sus films comenzaron a llamar la atención de la crítica internacional.
Entonces se supo que había nacido en Lancashire en 1943, que estudió en la Real Academia de Arte Dramático de Londres, en la Escuela de Arte de Camberwell y en la Central Art School. En 1965 escribió y puso en escena su primera obra teatral (The Box Play), y en 1971 debutó como realizador cinematográfico con Bleak Moments. Desde entonces ha escrito numerosas obras teatrales, y también trabajó reiteradamente para la televisión.
Volvió a la pantalla grande en 1987 con el cortometraje Short and Curlies, prosiguiendo a partir de ahí una carrera en el largo que incluye High Hopes (1988), Life is Sweet (1990), Naked (1993) y los films más recientes y notorios que integran este ciclo.
La crisis familiar, la ambigüedad de las relaciones humanas y una visión negra y crítica de la sociedad británica
contemporánea han asomado una y otra vez en el teatro y el cine de Leigh: incluso cuando retrocede al pasado para evocar esplendores victorianos (Topsy Turvy, una biografía de los legendarios músicos Gilbert y Sullivan, 2000) es capaz de descubrir todo un costado oscuro por detrás del oropel).
Sus métodos de trabajo, o por lo menos los que ha aplicado en algunas de sus películas más célebres, resultan no menos particulares. La improvisación juega un papel muy importante, aunque nada es improvisado delante de la cámara. Cuando Leigh solicita el apoyo de un productor, le somete una idea embrionaria de lo que será la película definitiva. Luego sobreviene, fuera de cámara, un lento proceso de maduración donde elabora, junto con los actores, el libreto definitivo. En el caso de Naked, por ejemplo, ese proceso duró más de cuatro meses, durante los cuales director e intérpretes discutieron la trama, el carácter de los personajes y los efectos que sobre ellos tienen la crisis económica, la vida en los bajos fondos y el arribismo corrupto de los nuevos ricos.
El resultado no es necesariamente un testimonio o un documento sino una deliberada composición, un cuadro que muestra los efectos de una situación sobre determinados individuos.
Los films más recientes de Leigh han reiterado con variantes esas actitudes, que se repiten en A todo o nada (All or Nothing, 2002) y en Vera Drake (2004), un drama sobre al aborto premiado en Venecia y elogiado por el Vaticano,
y conocen algunas. Los títulos que integran este ciclo son solamente un acercamiento parcial, pero también bastante representativo, a la obra del director.