Mayo 9 a 15, jueves a miércoles. A las 17.30 y 19.30 hs.
El sábado 18 de mayo en lugar de TABÚ se exibhe VOZ DE MURGA

TABU

(Tabú)

Dir: Miguel Gomes
Portugal/Alemania/Brasil/Francia 2012 – 110 min. ST.
Libreto: Mariana Ricardo, Miguel Gomes. Fotografía: Rui Poças. Música: Antonio Lopes, Miguel Martins, Vasco Pimentel. Montaje: Telmo Churro y Miguel Gomes. Elenco: Teresa Madruga, Laura Soveral, Ana Moreira, Carlotto Cotta, Isabel Cardoso, Henrique Espírito Santo, Ivo Müller, Manuel Mesquita

Una anciana a punto de morir intenta recuperar a su amor perdido cincuenta años atrás. Sobre ese disparador, este tercer largometraje del portugués Gomes recupera en clave de melodrama fantástico un grandioso paisaje africano donde nació ese amor antiguo, y se lanza a recuperar también el espíritu de un sabroso cine añejo, hecho de exotismo, amor y aventura. El homenaje a Friedrich W. Murnau es explícito desde el título, aunque el Tabú que el maestro de Nosferatu, La última carcajada y Fausto, realizado en colaboración con el documentalista Robert Flaherty, no tuviera que ver con África sino con las islas del Pacífico (también había en él un amor condenado por el destino, o su encarnación local a cargo del shaman de la tribu). Filmada en un hermoso blanco y negro, la película no escamotea su admiración por los clásicos, en particular el cine expresionista alemán, desde el ya mencionado Murnau al inevitable Fritz Lang, otro recurrente visitante de lo exótico. Más cerca están los modelos de un cine contemporáneo “cinéfilo” que también se nutre de imágenes del pasado (el canadiense Guy Maddin puede ser una referencia próxima). En su reseña del film, el crítico español Jordi Rivert lo describe como “de difícil clasificación” y agrega: “La de Gomes es una insólita y laberíntica obra en la que puede leerse tanto un ensayo sobre la melancolía post-colonial como una insinuada tesis sobre la conexión de las almas o incluso la crónica de una pasión prohibida como reescritura de las memorias de Karen Blixen. Todas esas lecturas son posibles a partir de un díptico que enfrenta, en respectivos formatos de blanco y negro de 32 y 16 mm., el relato actual de una anciana burguesa que en su soledad sospecha de la brujería de su criada, y su pasado en una África sudorosa, granulada y apta para el deseo sin la moral estricta del primer mundo”. Premio FIPRESCI y Alfred Bauer en Berlín, Gran Premio en Gante y Las Palmas.

Mayo 18, sábado. A las 21 hs.

VOZ DE MURGA

En esta ocasión Vox Polar Producciones, La Mojigata, y Cinemateca se unen para ofrecer una noche de cine y murga. Comenzará puntualmente a las 21 hs. con la proyección de la película, luego vendrá la actuación de la murga, y al término se anticipa un cierre especial. Este evento, abierto al público general, contará con la presencia de los protagonistas de la película y varios invitados especiales. El costo de la entrada será de $20. Facebook: Voz de Murga-Documental (el perfil de amigos ya está lleno) Youtube: Voz de Murga (documental) IR AL CINE ES UN BOLETO

Mayo 16 a 22, jueves a miércoles. A las 17.40 y 19.15 hs.
Mayo 23 a 29, jueves a miércoles. A las 21.30 hs.

RINCÓN DE DARWIN

Dir: Diego Fernández Pujol
Uruguay / Portugal. 2013 – 78 min.
Guión: Diego Fernández Pujol. Fotografía: Araúco Hernández. Música: Gonzalo Denis. Montaje: Fernando Epstein. Elenco: Jorge Temponi, Carlos Frasca, Jorge Esmoris.

Diego Fernández Pujol se presentó cinco veces seguidas al mismo premio hasta lograr el puntapié inicial que le permitió filmar Rincón de Darwin. Hubo tenacidad y una coincidencia en la historia de este film que ahora se repone.
En el año 2004, Fernández, que hasta ese momento era reconocido por sus cortometrajes (Nico y Parker, Mandado hacer y Fábrica de enanos) se puso de novio. Su novia tenía familiares en Carmelo y fueron a visitarlos. Paseando por los alrededores, descubrió el Rincón de Darwin. “Me impresionó estar parado ahí, la perspectiva histórica de que Darwin estuvo ahí, que 500 años antes hubo un indio y que el lugar no va a cambiar tanto” cuenta. Poco después, en una casa de balneario, encontró un libro de Charles Darwin. Esa casualidad no pasó desapercibida y resolvió unir el sitio que había conocido y el libro con una vieja idea que tenía, para hacer una película sobre tres personajes que compartían un viaje.
Un joven termina con su novia y viaja a ver una propiedad en el lugar del título. Alquila un flete y viaja con el chofer y un escribano. Tras esa sencillez hay humor, juegos entre los personajes, alguna que otra vuelta de tuerca (pequeña y a tono con la película) y varias anécdotas. Al igual que pasaba con El viaje hacia el mar de Guillermo Casanova, el viaje es el destino, y la comunicación con el espectador se establece sin mucha dificultad: hay una uruguayez muy uruguaya en estos uruguayos que viajan, mientras la referencia a Darwin opera también como una sugerencia de que algo evoluciona.
Originalmente la historia iba a ser contada por Gastón, el personaje de Jorge Temponi, cuyo pensamiento se iba a estar escuchando a lo largo de la película. Sin embargo, en una de las reescrituras, el director optó por eliminarla y buscar otros recursos para que el espectador entendiera qué sucedía con el personaje. El resultado es pequeño y sólido, está bien atuado y corre con fluidez.Un elemento clave es la banda de sonido compuesta por Franny Glass, cantautor en ascenso que apeló, entre otros, a varios instrumentos asiáticos. Una road movie minimalista, se ha dicho, aunque su director ha preguntado con algún desconcierto si existían las road movies maximalistas.
En programa: Fábrica de enanos Dir: Diego Fernández. 35mm 10 minutos.

Mayo 23 a 29, jueves a miércoles. A las 17.30 y 19.30 hs.
Mayo 30 a junio 5, jueves a miércoles. A las 20.55 hs.

ELENA

(Elena)

Dir: Andrey Zvyagintsev
Rusia 2011 - 109 min. (Digital)
Guión: Andrey Zvyagintsev, Oleg Negin Fotografía: Mikhail Krichman. Montaje: Anna Mass Producción:
Aleksandr Rodnyanskiy. Elenco: Nadezhda Markina, Andrey Smirnov, Elena Lyadova, Aleksey Rozin, Evgeniya Konushkina, Igor Ogurtsov.

En la muy significativa secuencia inicial la cámara permanece inmóvil (únicamente hay un ligero cambio de enfoque) y el espectador busca el elemento de interés: ¿las ramas?, ¿el cuervo?, ¿la casa? La luz del sol entra en el encuadre, está amaneciendo, y entonces el aparato se introduce en el apartamento. Por el espacio y la decoración uno deduce que la vivienda pertenece a gente adinerada. Sin embargo, la primera persona que vemos no encaja en ese escenario. El dormitorio, el aspecto y la actitud de Elena (Nadezhda Markina) son más propios de una empleada del hogar. Cuando acude a despertar a Vladimir (Andrey Smirnov) y le prepara el desayuno, las piezas empiezan a encajar… No se explica nada, el espectador debe obtener la información sobre los personajes y los conflictos mientras transcurre la acción. Y durante el proceso, cada uno interpretará los hechos desde su punto de vista. De ese margen de misterio está hecho todo el film.
La acción transcurre en Rusia, pero su tema es universal: un duro y certero retrato de relaciones humanas, y cómo el dinero lo cambia todo. La reflexión se amplía hasta temas como la crisis económica, la moralidad y la culpa, el director la desarrolla con un ritmo pausado pero firme, atendiento con minucia al carácter de los personajes, componiendo el cuadro con una exquisitez a la que no es ajena el notable fotógrafo Mikhail Krichman, y sacando buen partido del acompañamiento sonoro (Philip Glass, de todos los músicos posibles). El resultado es a menudo fascinante. Andrey Zviagintsev nació en Novosibirsk, Rusia, en 1964.Se graduó en la Escuela de Actores en Novosibirksk. De allí se mudó a Moscú, donde continúo sus estudios en la Academia Rusa de Artes Teatrales. Trabajó tanto en teatro y televisión, debutando cine con la galardonada El Retorno (Vozvrashchenie, 2003). Elena (2011) es su último film. Premio especial del jurado en Un Certain Regard (Cannes), además de otros galardones en Durban, Moscú, Gante, el festival RiverRun y el Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay.

Mayo 30 a junio 5, jueves a miércoles. A las 18.05 y 19.30 hs.
Junio 6 a 12, jueves a domingo. A las 21 hs.

GERMANIA

Dir: Maximiliano Schönfeld
Argentina, 2012 – 75 min. (digital)
Libreto: Maximiliano Schönfeld, Rafael Cardelli. Fotografía: Soledad Rodríguez. Música: Jackson Souvenirs. Elenco: Brenda Krütli, Lucas Schell y Margarita Greifenstein.

Santa Rosa, en la provincia argentina de Entre Ríos, zona de inmigración alemana de antigua data. La granja de la familia protagonista (madre y dos hijos, un varón y una mujer) se encuentra en estado de deterioro por causas por lo menos borrosas. Una supuesta peste, o el agua clorada, ha provocado que el criadero de gallinas del que vivían, prácticamente no funcione más. Las aves, en su mayoría murieron. El cura del lugar sugiere castigos sobrenaturales.
La inevitable decisión de los protagonistas es mudarse, y los varios personajes deben afrontar el cambio que se avecina. También buscan diversos escapes, y se ven obligados a rever su pasado. La madre busca consuelo en su cuñado. La hija tiene que despedirse de un joven trabajador de la zona mientras lidia con su hermano, que le genera sensaciones perturbadoras, a lo que se añade por lo menos algún conflicto adicional. El punto de vista privilegiado elegido por el film para narrar su historia es el de los hijos, ese contradictorio mundo adolescente que oscila entre la represión y la sensación de pérdida.
Película de climas, de atmósferas melancólicas y por momentos opresivas, Germania despliega a lo largo de su relato algunas lúcidas observaciones sobre las relaciones en el seno de esa comunidad bastante cerrada y anclada en el tiempo (alguien ha pensado en Luz silenciosa, del mexicano Carlos Reygadas), y obtiene un logro contundente apoyado en un estilo naturalista, una narración simple y muy sólidas actuaciones, en perticulas las de sus dos jóvenes. Opera prima del director Schönfeld, nacido en Crespo, Entre Ríos, en 1982, Germania obtuvo el Premio Especial del Jurado, y del Premio FEISAL en la Competencia Internacional del 14º BAFICI, además de galardones en Hamburgo y Praga y el de mejor film en el último festival de Punta del Este.

Junio 6 a 12, jueves a miércoles. A las 17.50 y 19.30 hs.
Junio 13 a 19, jueves a miércoles. A las 21.25 hs.

WILAYA

Dir: Pedro Pérez Rosado
España 2011 – 88 min. Digital
Guión: Pedro Pérez Rosado. Fotografía: Oscar Durán. Música: Aziza. Producción: WandaVisión S.A. Elenco: Namira Mohamed, Nemona Mohamed, Said Salem

El drama del pueblo saharahui y su aspiración a la independencia de Marruecos corre al fondo de este filme español. Después de 16 años viviendo en España, Fatimetu vuelve a su patria para asistir al entierro de su madre. Allí se reúne con sus hermanos: Jatri, que espera su primer hijo, y Hayat, que es minusválida. Jatri le dice que ha heredado la jaima familiar y la obligación de hacerse cargo de Hayat. Fatimetu acepta de mala gana, pues, no sabiendo cuidar de sí misma, ¿cómo se hará cargo de su hermana? Para salir adelante, compra con sus ahorros un todoterreno usado para distribuir alimentos en las distintas Wilayas (provincias). Hayat le será muy útil actuando como guía. Gracias a su trabajo entran en contacto con la nueva generación saharaui; conocen la vida de Said, cuyo padre se fue a España y no ha regresado, la de la joven Amal, que regresa de Cuba a la Wilaya para casarse con su primo, por indicación de sus padres.
El director Pérez Rosado había hecho antes el documental Las cenizas del volcán (2001) y los largos de ficción Agua con sal (2005) y La mala (2008). Su formación como documentalista reaparece en el estilo de este film y su uso de actores no profesionales. A ello Wilaya añade un componente de presencia femenina, mientras el hombre suele quedar como una mera sombra de las mujeres: ellas son el foco que ilumina el camino de los demás.
Ese viaje feminista, psicológico y espiritual apunta a mujeres que deben encontrarse a sí mismas. Más allá de una lucha por la supervivencia y ese retrato implícito femenino que propone la historia, la película reivindica las raíces perdidas de esa generación que fue acogida por países europeos y que ha sido desvinculada tanto del conflicto como de lo que ya consideran una retrógrada forma de vida. Algo de su identidad se perdió en el desierto, pero la película tampoco esquiva el tema del abandono español a esos “hijos” condenados a un lugar que tampoco les pertenece. Los refugiados, sugiere el film, siguen siendo aquellos que viven alejados de la tierra que reclaman como suya. Premios en Málaga y Luxor.

Junio 13 a 19, jueves a miércoles. A las 17.35 y 19.30 hs.

EL ARTISTA Y LA MODELO

(L’artiste et son modèle)

Dir: Fernando Trueba España 2012 – 104 min. (Digital)
Libreto: Fernando Trueba, Jean- Claude Carriére. Fotografía, Daniel Vilar. Producción: Fernando Trueba Producciones Cinematográficas S.A./Bonne Pioche. Elenco: Jean Rochefort, Aida Folch, Claudia Cardinale, Chus Lampreave, Götz Otto, Christian Sinninger.

En un pequeño pueblo francés, un escultor y su esposa (Jean Rochefort y Claudia Cardinale) acogen a una joven (Aida Folch) que ha huido de la España que ha dejado a Franco al frente del país a raíz de la Guerra Civil. Fernando Trueba vuelve a ponerse tras las cámaras con una propuesta que respira a proyecto personal al margen de los cauces comerciales habituales.
El resultado es llamativo en su planteamiento técnico, con un blanco y negro que realza un entorno ya de por sí atractivo pero potenciado por una gran dirección artística, una estupenda edición de sonido y una notable fotografía. También lo es en las lecturas a las que invita su guión, abundantes e inextricables por debajo de los acontecimientos que muestra y consecuentes a lo largo de su desarrollo, y que apuntan a una percepción de la belleza a la que tan sólo acceden unos pocos, a esa sensibilidad incansable, incuestionable, satisfactoria y frustrante hasta lo obsesivo.
Trueba (un cinéfilo que ha hecho desde Opera prima a Two Much y La niña de sus ojos) tiene un segundo gran respaldo en su elenco: la hermosura de Aida Folch no es un mero pretexto para sus desnudos sino que adquiere una suerte de dimensión metafórica (“en la prueba de la existencia de Dios”, exagera en determinado momento el personaje estupendamente compuesto por Rochefort). Con una mezcla de crueldad y melancolía, distante y reflexiva, Cardinale opera entre ambos como la musa que fue pero que el tiempo ha dejado atrás. Trueba deja que su tragedia corra sin énfasis, como deliberadamente asordinada, tomándose su tiempo para describir a los personajes y sus relaciones, y hasta dejando aquí y allá alguna oportunidad para la alegría y el optimismo. Probablemente, uno de los mejores films españoles de los últimos tiempos, con el respaldo de un premio a mejor director en San Sebastián y trece nominaciones al Goya.

CINEMATECA 18